Asignatura Seminario de historia del arte
Pública

Ver en Folio: https://micoru90.folio.uoc.edu/2022/10/12/apuntes-ha-pec1/

⚠️ Disclaimer: estos apuntes los he hecho mientras releía los recursos y veía los vídeos, por lo tanto es tu responsabilidad comprobar que ésta información es correcta.

Historia del Arte: pasado y presente en diálogo

Prueba de Evaluación Continua 1 (PEC1)

Entrega: 14 de octubre 2022, 24:00

Enunciado

Deberéis reflexionar sobre por qué a pesar de que dos objetos sean absolutamente iguales, o se presenten de la misma forma, uno puede ser una obra de arte y el otro no. Para profundizar en esta reflexión, en esta actividad analizaremos la obra de Maurizio Cattelan, Comedian (2019). Nos plantearemos ¿por qué esta pieza es una obra de arte y en cambio un plátano que puedes encontrar en una frutería o un trozo de cinta adhesiva pegada en una pared, no lo son?

La finalidad de esta actividad es comentar y argumentar la artisticidad de un objeto y también reflexionar sobre:

  • la idea que es suficiente entrar en un museo y mirar (y con ello ya se entenderá lo que se ve)
  • el arte del siglo XX y XXI y otros referentes que no sean del Renacimiento, del Barroco, del Romanticismo o el Impresionismo

Objetivos

  • Que el estudiante deje constancia de su comprensión de la importancia del contexto y momento histórico
  • Comprensión de la historia del arte como relato no lineal
  • Comprensión de dónde radica la artisticidad de un objeto

No es mi opinión ni tampoco un resumen de los recursos.

Ensayo de 3 páginas como máximo.

Times New Roman 12 con interlineado 1,5

Recursos

 

La construcción del conocimiento en historia del arte

Joan Campàs Montaner (Módulo UOC)

Introducción

Cuando decimos que un objeto es artístico

  • Ante la gran cantidad y variedad de objetos a los cuales denominamos artísticos -de cualquier lugar, tiempo y cultura- no se puede dar una definición universal y estática de arte, válida para cualquier manifestación artística.
  • Se trata de objetos que no siempre han tenido ni el mismo objetivo, ni la misma finalidad, ni siempre han sido considerados como objetos artísticos.
  • Hay que decidir pues con qué criterios definiremos un objeto como artístico: donde establecemos la frontera entre lo que es artístico y lo que no lo es.

Arte

  • techné (griego): saber hacer algo
  • ars (latín)
  • El arte no siempre ha recibido la misma consideración y su función ha ido variando a lo largo de la historia.
  • Mundo clásico → se distinguía entre artes serviles y artes liberales en función de si su elaboración comportaba trabajo manual o corporal.
  • Renacimiento → introdujo el concepto de bellas artes (la belleza era su exclusiva)

Definiciones de actividad artística

  • Renacimiento: la imitación (mimesis) de la realidad sensible como medio para conocer la actividad artística
  • Romanticismo: la imitación fiel de la naturaleza es un instrumento para investigar la actividad artística
  • Platón: el arte tiene que encarnar el mundo de las ideas en formas perceptibles
  • Kant: sitúa la actividad artística entre la sensibilidad y la razón
  • Marcuse: el arte está vinculado al principio del placer, lo artístico y lo estético se identifican con el impulso de juego y su finalidad ya no es copiar la realidad, sino transformarla

Sobre los orígenes del arte

  • Visión obsoleta de la pintura paleolítica: magia para controlar la caza, rituales o culto a la fertilidad.
  • En prehistoria, para que una piedra-figura pueda ser considerada como tal, es necesario que evidencie una intervención humana.
  • Guijarro de color (objeto más antiguo), no se suele considerar un objeto de arte pero si un inicio de coleccionismo.
  • Poliedros: esferas torpes, toscas y de caras desbastadas. No se sabe si tenían un valor de uso o estaban dotadas de un significado que no comprendemos (rituales).
  • Bifaces: era más barato producir astillas (y además eran más eficientes), no se sabe porque se tallaban o si tenían valor simbólico, quizá como sistema de canje.
  • Venus (mal denominada): piedra-figura retocada para acentuar su parecido natural con una silueta humana.
  • Cúpulas: paredes y techos de cuevas recubiertas de cúpulas, parece confirmar la existencia de una producción simbólica rupestre.
  • Marcas y pigmentos rojos: guijarro coloreado con incisiones lineales, uso del ocre rojo.
  • Ornamentos y colgantes: función simbólica y social que representa al grupo o al individuo, forma de comunicación de una sociedad estructurada.
  • Primera pintura rupestre (Australia): Pájaros sin alas. Pintura corporal como arte elemental.
  • Instrumentos musicales: artefactos hechos con huesos largos de aves, tradición musical bien establecida,origen de la música. Es probable que hubiera una comunicación visual, corporal y oral compleja.
  • Figuras femeninas: imágenes sexuales de vulvas o falos en erección, cuerpos de mujeres con grandes pechos, escenas de parto. Prácticas sexuales o expresión de creencias mágicas y rituales de fecundidad.

Teorías e interpretaciones del arte paleolítico

  • Arte por el arte: significado decorativo, búsqueda de la belleza, carácter ocioso. Arte como ornamentación, como manifestación de los momentos de ocio entre los periodos de caza. Grabados y esculturas no tendrían otra finalidad que adornar armas y herramientas o decorar paredes por placer, por la necesidad innata de una expresión estética.
  • Totemismo: símbolo que identifica al grupo. Se le atribuyen poderes al tótem (usualmente asociados a un animal), lo respetan y veneran. Relación entre hombre y entorno, flora y fauna. Culto a los antepasados, vinculación del individuo con el tótem del clan.
  • Magia-religión: práctica propiciadora, magia simpática. Control e influencia sobre el medio y la caza: actuando sobre la imagen se actúa sobre la realidad. Fecundidad de las especies cazadas. Cueva como santuario: carácter religioso, culto a la fertilidad. Arte de ceremonia o ritual propiciatorio en lugares escondidos (fondo de la cueva) a los no iniciados.
  • Organización social: sistema estructurado con carácter religioso, santuario. Caballo-bisonte como hombre-mujer. Evolución lineal y progresiva en 4 períodos o estilos (del simple al complejo).
  • Chamanismo por estados de consciencia alterados: los dibujos representan visiones logradas en alucinaciones de los chamanes. El arte facilita las visiones y representa el velo entre el otro mundo y el nuestro.
  • El contexto condiciona el arte: patrón interpretativo histórico-cultural. Motivación variada (económica, social, comunicativa, religiosa, simbólica…)

Pintura corporal

  • Hipótesis de que el origen del arte podría estar en las pinturas corporales con las que se cubrían las mujeres para disimular el único aspecto externo de su próxima fertilidad (la menstruación) para evitar la existencia de un macho dominante y asegurarse de que el progenitor cuidaba de ella y del recién nacido.
  • Diseños de color rojo sangre llevados a cabo sobre el cuerpo con la intención de crear una representación de una falsa menstruación.
  • Característica esencial de la sexualidad humana: desaparición de signos visibles de la ovulación.
  • Los machos dominantes se dirigirían a las mujeres que tuvieran el periodo y descuidarían a las más necesitadas de apoyo, por eso es posible que las hembras crearan una coalición donde se simulaban menstruaciones falsas a través de cubrirse con pigmentos ocres rojos.
  • Cuando los costes de encefalización empiezan a hacerse notar y se necesitan estrategias de cooperación para apoyar a la descendencia, las hembras preferirán a los inversores en lugar de a los dominadores.
  • Si la tradición ocre se ha interpretado correctamente, constituye una prueba para el primer «arte» del mundo, un aspecto de la primera forma de cultura simbólica.

Principales corrientes historiográficas

  • La historia del arte es una disciplina que se ha ido formando gradualmente, como resultado de la aplicación de unos criterios y unos métodos de investigación sobre un conjunto de objetos denominados obras de arte.
  • Objetivo: obra de arte, contemplada desde 2 perspectivas:
    • la interpretación estética
    • la valoración histórica
  • Hay distintas concepciones sobre la historia del arte, ya que es difícil encontrar un consenso sobre la artisticidad de las obras de arte. Unos se centran en el estudio de los estilos, otros en la biografía de los artistas, otros en el estudio de las técnicas y procedimientos artísticos, o de los aspectos iconográficos, sociales e ideológicos, etc.
  • La subjetividad de los gustos, la multiplicidad de las formas, la incorporación de nuevas tecnologías (cine, televisión, imagen virtual), la pluralidad de manifestaciones formales llevadas a cabo a lo largo de la historia, la amplitud geográfica de estas manifestaciones y la variabilidad de pueblos y culturas, complican todavía más, si cabe, el panorama sobre los contenidos de la historia del arte.
  • Hay que recordar, además, que no sabemos exactamente cómo, cuándo y por qué aparece la capacidad simbólica entre los humanos, por eso las explicaciones sobre la necesidad de crear imágenes oscilan desde las motivaciones espirituales (magia, religión, simbolización, comunicación) a materiales (clima, técnicas, recursos). Priorizar y enfatizar alguna de estas variables puede condicionar un determinado enfoque y planteamiento de la historia del arte.
  • Las Vite de Vasari:
    • Con Vasari y su libro Vite (1500) empieza propiamente la historiografía artística. 
    • Es la historia de los artistas.
    • El énfasis en la importancia del autor perduró hasta el siglo XVIII. 
    • Planteó la idea evolutiva y progresiva del arte a partir del estilo de los artistas.
    • Su método parte de la idea de que la explicación de la obra de arte se encuentra únicamente en la personalidad del artista que la hizo.
    • Exaltación del artista, único protagonista de la creación artística.
  • Winckelmann y la crítica del arte: 
    • Libro: Historia del Arte de la Antigüedad (1764) distingue cuatro fases: el estilo antiguo, el estilo elevado, el estilo bonito y la época de los imitadores.
    • Es la historia de los hechos artísticos.
    • Analiza las causas que determinaron el nacimiento de las formas artísticas de cada momento.
    • Se pone énfasis en el estudio de hechos históricos y geográficos.
    • Comprensión de la obra en sí misma.
    • Definición de la belleza.
    • Análisis descriptivo de las obras.
    • Estudio del origen de los estilos nacionales.
    • Admiración por la Antigüedad griega y la belleza helénica.
    • Rechaza la imitación directa de la naturaleza.
    • La belleza del sexo femenino es relativizada y menospreciada en relación con la del sexo masculino.
  • Kant y la crítica del juicio: 
    • Libro: Crítica del juicio (1790)
    • Reflexiona sobre los juicios de la Belleza.
    • Los buenos juicios se basan en características de la obra de arte, no en nosotros y nuestras preferencias.
    • La belleza es lo que gusta de manera desinteresada, universal y necesaria, sin finalidad alguna.
    • gusto: facultad de juzgar lo bello, percepción de lo agradable que produce lo bello, un objeto que es como tiene que ser.
    • Para Kant la estética se experimenta cuando un objeto sensorial estimula nuestras emociones, intelecto e imaginación.
    • La forma y el diseño de un objeto bello son la clave del importante rasgo de la “intencionalidad sin intención”.
    • Descripción de la belleza crucial para las teorías que se plantean el arte en términos de respuesta estética (teorías formalistas y teorías simbólicas).
  • Taine y la historiografía positiva: 
    • Libro: Philosophie de l’art (1865)
    • Elabora la teoría del “medio” como causa de la producción artística.
    • La comprensión de una obra de arte sólo es posible si se relaciona con todos los elementos que configuran su medio físico, artístico y cultural.
    • La gestación del arte se encuentra en hechos sociales externos, en ámbitos como la geografía, la economía, la historia o la religión, y esto determina la forma estética.
    • Equipara, las leyes físicas que rigen la naturaleza con las leyes ambientales que condicionan la creación artística.
    • Método que reconoce que la obra de arte no está aislada, hay que buscar conjuntos que la explican.
    • Cataloga las obras de los maestros y discípulos, concretar las atribuciones y escuelas de los artistas.
    • 3 órdenes de factores:
      • La obra total del artista
      • La generación a la que pertenece
      • El mundo que lo rodea
    • Corriente positivista ante el coleccionismo particular y la necesidad de catalogación de las obras de los museos.
  • Burckhardt y la historia de la cultura: 
    • Libro: Cultura del Renacimiento en Italia (1860)
    • Historia de la cultura.
    • Superación del positivismo, continúa los planteamientos de Winckelmann.
    • El valor de una obra de arte reside en el hecho de que los diferentes aspectos de la vida de un pueblo han quedado incrustados en ella, refleja la vida y la cultura de un pueblo.
    • Zeigeist o espíritu de la época
  • Alois Riegl y la Escuela de Viena: 
    • Historia de los estilos y las formas (formalismo).
    • Acentúa el valor de la forma representativa.
    • Insiste en el análisis explicativo y descriptivo de los cambios de las formas, relegando a un segundo lugar el conocimiento del autor, del medio o del contenido.
    • Interés en la obra de arte como hecho estético concreto.
    • Potencia el valor de las formas como lenguaje.
    • La belleza es algo puramente formal, relaciones de líneas y colores, ajena a cualquier referencia a una realidad natural.
    • La actividad artística es en cada época y lugar la ejecución de una voluntad artística.
    • Es la evolución de esta voluntad la causa de los cambios en los estilos, los movimientos o las épocas artísticas.
    • El principio del arte es siempre el mismo: una voluntad artística que se expresa de diferentes maneras.
    • Ni la invención de nuevos temas, ni la utilización de nuevos motivos, ni el descubrimiento de nuevas técnicas explican la evolución artística.
    • Hay una serie de formas invariables a lo largo de la historia y lo que ha ido cambiando ha sido la interpretación que se ha dado a estas formas.
    • Se supera la tradicional distinción entre artes mayores y menores, recuperando periodos artísticos ignorados o negados.
  • Heinrich Wölfflin y el análisis estilístico: 
    • Libro: Conceptos fundamentales de la Historia del Arte (1915)
    • Historia de las visiones del mundo, el arte es la expresión de la percepción y la praxis artística, el perfeccionamiento de cada una de las visiones.
    • Desarrolla las ideas formalistas de Riegl.
    • Considera que los principios de interpretación de la obra de arte y de la historia tienen una naturaleza psicológica.
    • Utiliza el concepto de empatía para explicar que la percepción no consiste en recibir pasivamente una serie de estímulos, sino que proyectamos sobre el objeto elementos que pertenecen a nuestros sentimientos, actitudes y valores.
    • No le interesa el estudio del contenido –lo que dice el arte– sino cómo lo dice, es decir, los medios de los que se sirve el artista para expresar algo.
    • Se propone una historia del arte sin nombres.
  • Panofsky y la iconografía:
    • Historia de las ideas y las imágenes.
    • Interpretación de la obra: valora la obra de arte como un mundo en sí mismo, portador de intereses formales y significativos.
    • (Aby Warburg) Estudio de los temas: contenido de la obra, contexto literario y cultural.
    • Método iconográfico de Erwin Panofsky:
      • Descripción preiconográfica (percepción del contenido primario de las formas como representación de objetos naturales y sus relaciones y cualidades expresivas)
      • Análisis iconográfico (percepción del contenido secundario, al identificar imágenes, historias y alegorías, relacionando motivos y composiciones con temas y conceptos; implica descripción y no interpretación)
      • Análisis iconológico (percepción del significado intrínseco o contenido; verdadero objetivo del análisis de la obra de arte; prestar atención a procedimientos técnicos, rasgos de estilo, estructuras de composición y temas iconográficos)
    • (Ernst Gombrich): “El Arte, en realidad, no existe. Tan solo hay artistas”
      • Psicología: se examina la manera en que el espectador observa las obras de arte (se tiende a ver aquello que se espera ver).
      • Método científico: cuestiona muchas de las visiones ortodoxas y opiniones preconcebidas sobre la percepción visual.
      • Uno de los objetivos del arte es crear ilusión de realidad; la cuestión reside en averiguar cómo se consigue.
      • No existe una mirada neutra: nuestras experiencias pasadas y expectativas, nuestros deseos y conocimientos determinan nuestra percepción.
      • El artista no pinta lo que ve, sino que ve lo que pinta.
      • El artista no copia sino que traduce su percepción al lenguaje de la representación (lenguaje que posee reglas, historia y tiene que ser aprendido)
      • El artista no tiene una sensibilidad especial ni una capacidad expresiva innata sino que aprende una técnica, domina un material, se enfrenta a un problema y mediante la manipulación de una técnica y un lenguaje consigue crear obras que ilusionan.
  • Marxismo y crítica social del arte: 
    • Sociología del arte.
    • Desautomatización (el arte no pertenece a la estética)
    • Desidealización (no es un valor absoluto)
    • Crítica de la tradición estética (sinónimo de elitismo, de individualismo y de espiritualismo)
    • Considera que para estudiar, analizar y tratar de comprender la producción artística es necesario:
      • Establecer las condiciones económicas y sociales que constituyeron el campo artístico.
      • Elaborar una historia de las instituciones específicas imprescindibles para la producción artística (talleres, salones, academias, museos, bienales…) y para el consumo (galerías, marchantes…)
      • Analizar las acciones y reivindicaciones de los propios artistas para convertirse en únicos jueces de la producción artística
      • Contextualizar las obras restituyendo su función religiosa, política… que los museos han suprimido (ya que promueven la contemplación pura y la visión desinteresada)
      • Estética con conceptos importados de la tradición teológica (artista como creador dotado de una facultad casi divina: imaginación)
      • Definir las categorías de la percepción no como universales y eternas, sino como categorías históricas (el placer estético son un privilegio de quienes tienen acceso a la cultura)
      • Desvelar las condiciones sociales de la demanda de arte y del interés por un determinado género o tema.
    • Fundamento de la crítica social del arte (Marx y Engels)
    • Importancia del contexto material de producción (arte en un determinado medio geográfico y material)
    • El arte forma parte de la ideología (justificación de un orden social existente)
    • Relaciones entre arte y sociedad → el poder ha intentado restablecer el orden cuando el orden se ve amenazado.
    • Es el público el que determina la obra de arte (los gustos no son homogéneos en cada época histórica ni en las diferentes clases sociales, lo que causa la existencia de distintos estilos simultáneos)
    • Las obras de arte se pueden interpretar como reflejo de las condiciones socioeconómicas.
    • El arte como producto de la sociedad y la sociedad como producto del arte (todo arte está condicionado socialmente, otorgando al consumidor un valor protagonista en la creación de la obra)
    • Arte como denuncia contra la negatividad, combate contra la alienación, iluminación de conciencias, de afirmación de la libertad.
    • Entendida como expresión de la lucha de clases, concibe el arte como superestructura (las imágenes representan los valores y las creencias de la clase que lo financia) condicionada por una determinada situación económica.
    • La historia del arte es una historia ideológica mostrada en imágenes.

El concepto de arte

¿Qué es el arte?

  • El arte ha sido creado como herramienta, y sólo la consciencia de la decadencia de una élite (finales XVIII y principios del XX) ha podido utilizar el arte como experiencia estética
  • El arte es una manera de hacer las cosas (en el aspecto constructivo) para los humanos y una manera de comunicarse (en el aspecto expresivo)
  • Es inseparable de toda forma de trabajo y de lenguaje
  • Preguntarse por el origen del arte es preguntarse a qué necesidades constructivas y comunicativas necesitaba hacer frente nuestro más lejano ancestro.
  • El artista fue quien supo captar estas necesidades y codificarlas de forma que pudiera influir sobre su sociedad.
  • El conjunto de lo que denominamos obras de arte son formas de trabajo cuya finalidad y utilidad no es tan pragmática y utilitaria como codificadora de las relaciones y de los espacios sociales humanos.
  • Comprender una obra de arte significa descifrar los códigos que contiene e intentar averiguar cómo incidió sobre el grupo o sociedad.
  • Los bienes culturales o artísticos construyen una red de significados, que responden a necesidades de comunicar, construir, visibilizar, identificar, persuadir, seducir, manipular… para una determinada sociedad
  • Son los receptores quienes otorgan valor significativo a determinados objetos
  • El artista es el encargado de traducir en imágenes, formas, praxis, movimientos, música… estos códigos sociales
  • No puede haber arte sin sociedad y sociedad sin arte
  • El arte no representa la realidad, sino que la construye

¿Cuál es la diferencia entre un objeto considerado obra de arte y otro, que puede ser idéntico al primero, pero no lo es?

  • De 2 objetos iguales, uno puede ser una obra de arte y el otro no.
  • Un objeto puede ser artístico independientemente de su condición material y calidad estética
  • No se trata solo de observar las cualidades de un objeto al margen de su finalidad o función (como nos enseñó Duchamp y sus ready-mades)
  • Ni de afirmar que todo es arte, solo porque alguien lo diga
  • Una obra de arte es una obra sobre algo, trata de algo
  • Aquello que no es una obra de arte no lo es porque no trata sobre algo: su significado se agota en su función, le falta el ser-sobre-algo (aboutness)
Una cartulina negra en una librería no es una obra de arte, no es sobre nada; el Cuadrado en negro de Malévich es una obra de arte porque es sobre el mundo de entre las dos revoluciones rusas (1905 y 1917), sobre la aspiración bolchevique de crear una nueva sociedad, sobre la necesidad de un nuevo arte que parta de cero para hacerla posible. La obra de Malévich es una utopía; la cartulina, no.

¿Y cómo se puede saber si una cosa es sobre algo o no?

  • Una cosa se hace arte mediante la posibilidad de su interpretación, de poder leerla.
  • Si un objeto o proceso no admite interpretación o no la necesita, no consideramos que tenga que ser estudiado como arte.
  • Lo que otorga el estatus de obra de arte no son las cualidades o valores formales del objeto sino el receptor que, a partir de una determinada lectura, elabora una interpretación, la cual le tendría
  • que permitir situarse en el consenso o el disenso respecto a la cultura de su grupo.
  • Analizar praxis artísticas desde la perspectiva del arte es aprender a leer, a interpretar objetos, a buscar sobre qué trata la obra, a saber crear modelos que expliquen cómo funciona.
Un retrato, por ejemplo, de un comerciante del siglo XVI no puede tratar sobre lo mismo que un retrato de un comerciante del siglo XXI, por mucho que se asemejen formalmente.
Existe, una gran diferencia entre una obra abstracta hecha de manchas de color por Edwin Parker (Cy) Twombly y un cuadro hecho de manchas de color por un grupo de niños de seis años.
Recordemos que en la feria ARCO de arte contemporáneo de Madrid del 2007, se colgó un cuadro pintado por niños de 2 y 3 años y se pidió la opinión sobre el cuadro a los visitantes. Algunas respuestas: «Es un cuadro complejo con mucha meditación detrás, un pintor con mucha experiencia»; «Esta obra tiene una gran carga erótica... posiblemente reprimida».
  • La comprensión de una obra de arte o de una praxis artística –sea de la época que sea– exige una comprensión profunda de su contexto de producción-distribución-recepción.
  • Un objeto, praxis o proceso deviene obra de arte cuando alguien lo sabe leer.
  • Sin lectura, vemos la obra, el objeto, no la obra de arte.
  • Que un objeto sea o no una obra de arte no depende, por lo tanto, de su calidad material, de su estética, de si me gusta o no, de si me comunica un sentimiento o sensación…, sino de su capacidad de ser interpretada.
  • Mirar una obra es construir un modelo interpretativo que permita descodificar no solo sobre qué trata, sino también cómo se ha materializado este contenido precisamente de este modo y no de otro.
La diferenciación de Roland Barthes entre obra y texto: obra hay una, textos, muchos.

¿Cómo podemos elaborar una explicación sobre una obra de arte?

Algunos relojes pueden gustarnos y otros no, pero opinar sobre ellos no nos hará aprender de cómo funcionan. Si no pudiéramos abrir el reloj para ver lo que contiene dentro, tendríamos que crear un modelo para darle una explicación a sus comportamientos (método científico).
  • Creando un modelo que intente explicar todo lo que sucede exteriormente.
  • La creación de modelos es uno de los mecanismos fundamentales del método científico.
  • El modelo sería válido siempre y cuando permitiera explicar todas las manifestaciones y comportamientos de cada reloj.
  • En el supuesto de que alguien observara que el modelo no explica una determinada acción, el modelo quedaría falseado y construiríamos otro.

Sobre las obras de arte, bienes culturales o praxis artísticas podemos dirigir una mirada estética y describir las sensaciones y emociones que nos desvelan, o podemos construir un modelo que permita explicar por qué se muestra lo que se muestra como se muestra, y por qué se esconde lo que se esconde y a través de qué.

 

Los mundos del arte

Joan Campàs Montaner (Módulo UOC)

 

¿Por qué un objeto puede considerarse obra de arte?

Joan Campàs Montaner (YouTube)

Objeto artístico: ¿qué le da la categoría de artisticidad?

Aboutness
La mirada artística: ¿por qué un objeto artístico es artístico?
¿Qué tiene que ver el arte con la estética?
  • ¿Por qué un objeto artístico es artístico y no un objeto normal, y viceversa, por qué un objeto cotidiano normal no se convierte en artístico?
  • Si se miran muchas de las obras contemporáneas, uno tiene la sensación de una cierta extrañeza, delante de un cuadro inmenso y prácticamente blanco: ¿qué nos dice? ¿qué nos sugiere? ¿por qué está ahí? ¿qué podemos hacer nosotros delante de ese objeto?
Listón de madera: es una obra que desde la perspectiva del planteamiento aristotélico y de la teoría de la mímesis, sería una obra absolutamente artística porque es la máxima similitud del objeto con un objeto real
  • Ante un objeto, podemos tener diversas percepciones o nos podemos posicionar frente a él de diferentes maneras, pero no nos podemos quedar sólo con la mirada superficial y perceptiva (estética), porque entonces nos estamos quedando sólo con la forma, es decir con su elemento más superficial, más externo. No hay suficiente con saber ver una forma, sino que necesitamos leer lo que nos está diciendo y saber interpretarla.
  • Delante de una obra, lo que tenemos que hacer es mirar, leer, entender e interpretar. Sin estas 4 actitudes o acciones nos será complicado saber por qué una obra es una obra de arte.
  • Para leer arte hace falta obviamente saber leer, no hay suficiente con saber mirar y para interpretar, para saber el significado, para entender el contenido, se necesita estudiar Historia del Arte.
  • 2 objetos iguales pueden no ser ambos una obra de arte. ¿Dónde radica la artisticidad? ¿Dónde está el elemento diferenciador de un objeto común y una obra de arte? ¿Por qué hay “cosas” que son consideradas obra de arte y otras no lo son? ¿Qué hace que no todos los objetos que nos envuelven sean considerados obras de arte? ¿Qué necesita una producción (ya sea un objeto, instalación, una performance, un ambiente, una idea…) para ser considerada obra de arte?
Consideraciones metodológicas:
- No existe arte antes del siglo XVIII
- Actualmente se hacen “objetos artísticos”, es decir, productos que no tienen otra función que la de “ser arte”
- Pensar en la metáfora del reloj
  • Simplificando, diríamos que el objeto de arte no aparece hasta finales del siglo XVIII. Antes habían imágenes: imágenes de piedad, imágenes de propaganda política, imágenes de propaganda religiosa. Antes, delante de una imagen se rezaba.
  • A finales del siglo XVIII aparecen los museos.
  • La obra se arranca de su contexto y se pone dentro de una vitrina. Ya no tiene la función por la cual se había creado (despertar devoción o emoción, decorar). Cuando está en el museo únicamente se ve la forma, se verían unos elementos, estatua, talla de una época concreta… y su función ha cambiado. Es el hecho de estar en un museo lo que le otorga a un objeto la cualidad artística. El hecho de quitarle, de desprenderse de su contexto significativo, de quitarle toda función para la cual fue producida y reducirla a una mera contemplación estética.
  • El problema que tenemos hoy en día es que muchos museos son creados -sobretodo museos de arte contemporáneo- para que los artistas creen objetos que de entrada son objetos de arte. Es decir, no son objetos que explican una historia, que tengan siquiera un función, que sirvan para contar a la gente una determinada historia o dogma difícil de comprender, sino que hacen objetos para ser contemplados.
  • Un objeto cuya función es únicamente ser contemplado es mucho más difícil de analizar que un objeto del cual sabemos cuál es su función, cuál es su historia, a quién se dirigía, quién era su mecenas, etc.
  • Por lo tanto, ¿cómo nos posicionamos delante de este tipo de obras que han sido creadas para la mera contemplación ¿cómo podemos analizar una obra de arte en general?
  • Recuperando la idea de Einstein, cuando habla del método científico. El científico ha de crear un modelo que explique por qué un objeto funciona como funciona. Es decir, crear un modelo: un modelo que intente explicar lo que vemos o estamos viendo. Somos conscientes que de entrada nunca podremos ver “eso” que intentamos explicar, como pasa con las subpartículas atómicas.
  • Un científico crea modelos. Un historiador del arte crea modelos, es el mismo caso.
  • Estudiar arte quiere decir saber crear modelos para entender qué es lo que hay detrás del color, de la forma, del movimiento, de la pura superficie.
  • No todas las obras despiertan las mismas emociones o sentimientos a gente diversa. Crear modelos sería el último aspecto de la evolución que hemos ido trazando para realmente captar cual es el contenido de la obra en cuestión: mirar, leer, entender, interpretar, crear un modelo.
¿Dónde está el componente artístico, la artisticidad?
- ¿en la intención del autor y sus habilidades y competencias?
- ¿en el objeto, su forma, propiedades, cualidades materiales, técnica, textura y contenido?
- ¿en la mirada del espectador? ¿en los sentimientos que le despierta?

Teorías hay muchas.

George Dickie: Teoría institucional del arte

Un objeto es artístico cuando el mundo del arte lo considera artístico

  • Arte es todo artefacto al cual alguien que actúa en nombre de una institución oficial (museo, galería, crítico, revista…) le ha conferido ese rango.
  • Un objeto es bautizado como “artístico” si es aceptado por el “mundo del arte” y es comprado por coleccionistas
  • ¿Qué pasa cuando un objeto no es aceptado inmediatamente como arte?

La teoría del arte como mímesis de Aristóteles en el libro La Poética

  • El arte como imitación de la naturaleza, de la vida, de los actos y de la acción humana.
  • La imitación es una cosa natural que gusta a los humanos y de la cual se aprende y además da satisfacción y placer
  • El arte puede educar a través de los sentidos, llevando a la mente los sentimientos
  • Si una obra (tragedia) muestra cómo se enfoca en la adversidad una persona buena, suscita una purificación o catarsis por medio de las emociones del temor y la compasión.
  • A través de esta imitación, podemos educar a las personas, podemos evocar sentimientos.
  • El problema es que el arte prácticamente no ha imitado nunca, ha construido nuevas realidades, ha construido nuevas maneras de presentarse, ha construido nuevos modelos de entender conceptos, de interpretar y de relacionarse con la realidad.

Arthur Coleman Danto: El fin del arte, la muerte del arte

  • Fin del arte o muerte del arte no en el sentido de que no se está haciendo arte, sino en el sentido de que obras de arte y objetos cotidianos son ya prácticamente irreconocibles.
  • Ya no sabemos dónde empieza una obra de arte y donde está un objeto de uso cotidiano.
  • Una obra de arte es un objeto al cual una teoría y contexto convenientes lo convierten en obra de arte.
  • Una obra de arte es un objeto que incorpora un significado (aboutness)
  • Todo puede ser una obra de arte sin una interpretación que la constituya como tal.
  • ¿Cómo comunica una obra de arte su mensaje? ¿Cómo encontrar su significado, contenido y valor?
  • La respuesta la podemos encontrar en estudiar Historia del Arte y ver cómo se crean las diferentes interpretaciones.

 

El cuadrado negro de Malèvich

Joan Campàs Montaner (YouTube)

De entrada podemos pensar que es simplemente un cuadrado negro, por lo tanto no podemos decir de él gran cosa, se nos hace difícil de entender su significado, el por qué puede ser un objeto de arte o una obra de arte o qué podemos hacer nosotros, como espectadores, delante de este objeto. Puedes pensar que lo ha podido hacer un niño pequeño.

Intentemos entonces deconstruir un poco y explicar qué puede haber detrás de estos objetos que conforman una obra de arte.

  • Contexto histórico
  • Contexto artístico
  • Concreción

Por lo tanto, al recibir una obra de arte, la afrontamos viendo el contexto histórico y artístico y después concretando lo simbólico.

El cuadrado negro de Malevich

  • Es una especie de símbolo para generar una nueva cultura estética, que se opone directamente a la copia de lo natural, a la mímesis.
  • Quiere crear la base del fundamento estético para una nueva sociedad, para un nuevo orden mundial.
  • Es la afirmación de un nuevo lenguaje visual… es una utopía estética.
  • El negro es un color que no existe en la naturaleza, es antipintura.
  • El cuadrado no existe en la naturaleza, es una antiforma.
  • No hay nada que lo conecte a la realidad, es una pura idea, es partir de cero.
  • El color negro y el cuadrado serían esta base a partir de la cual Malevich propone que para crear una nueva sociedad, hay que partir de un nuevo modelo estético.

 

Maurizio Cattelan: Comedian, HENI Talks

Francesco Bonami (YouTube)

  • Creó sensación que perduró y sigue perdurando en la memoria del mundo del arte y del mundo en general.
  • Creó un símbolo que fue más allá de la frontera del arte, más allá de la feria del arte e invadió la imaginación colectiva del mundo.
  • Comedian es una pieza de arte creada por el artista italiano Maurizio Cattelan, fue presentada en el Art Basel Miami y en Perú Tang Gallery y consiste en algo muy simple: una banana pegada con una cinta de carrocero a una gran pared blanca.
  • Se supone que la banana tenía que ser cambiada cada 2-3 semanas. Si quieres adquirir Comedian, recibirás un manual de 14 páginas de cómo presentar Comedian así que no creas que tienes una banana y una cinta y puedes hacer Comedian. Tienes que seguir instrucciones específicas: la altura a la que está respecto al suelo, la dirección de la banana…
  • Algunas personas se centran en la banana, otras en la cinta de carrocero.
  • Creo que cuando la banana fue expuesta, primero se la entendió como una broma, y después se convirtió en una gran sensación para el público de las ferias de arte. Puede que fuera el principio del final de la feria de arte de Miami, los otros vendedores estaban muy enfadados por la aparición de la banana, porque la gente se arremolinaba alrededor de la banana y se olvidaban de las otras obras de artes allí expuestas para ser vendidas.
  • En términos de impacto y de daño al mercado del arte, fue una explosión.
  • Había tanta gente queriendo ver la banana que al final se retiró por cuestiones de seguridad. Ahora es inimaginable pensar en tal multitud contemplando esa obra debido al covid, pero en ése momento se podía ver una larga fila de gente esperando hacerse un selfie con la banana.
  • Otro artista de la feria cogió la banana y se la comió, ése fue el pico de la vida de la banana.
  • Comedian es un título interesante, pues un comediante es alguien que te hace reír, pero también habla de algo muy serio: habla de un tema serio. Comedian te hace reír, puede que también te haga cabrearte, y también refleja ese sujeto serio: el arte. Es el propósito principal de la obra. Algunas personas la consideran una cosa, otras una broma (puede que de mal gusto), otras una provocación. Lo que te haga sentir no la convierte en arte, pero se acerca al propósito del arte: el buen arte puede que no sea bello, parece que no es arte, pero si te hace pensar, se acerca al objetivo de una obra de arte.
  • Se necesita tener aniversarios en el arte, necesitas un corte en la línea del tiempo, si no tienes ese break, se convierte en sólo tiempo y pierdes el sentido del espacio, tiempo… No importa si la gente considera un objeto como obra de arte, pero ambos La Fuente de Duchamp y Comedian de Maurizio Cattelan, Artist’s Shit de Piero Manzoni, Empty Shoe Box de Gabriel Orozco, son breaks en el flow de la historia del arte y cuando estos breaks ocurren, la gente empieza a reconsiderar la historia del arte, de la escultura… Ahí empezamos a pensar en las masterpieces reales.
  • Así que en lo que uno ve una broma, otros pueden revalorar su posición en relación con los trabajos de arte.
  • Las naturalezas muertas son un sujeto que ha sido muy popular en la historia del arte, eran adquiridas por ricos comerciantes y gente de negocio por estatus quo. Pones una preciosa naturaleza muerta en el salón y creas algo muy precioso y te estableces como una persona adinerada. La banana es naturaleza muerta en ese sentido, pero es también un gesto que más que naturaleza muerta, es naturaleza suspendida. Suspendes la naturaleza y en ese momento empiezas a pensar más sobre lo que es el arte y lo que se supone que el arte hace en nuestras vidas. ¿Es el arte una producto que la gente adquiere como cualquier otro o el arte es un contenedor de un mensaje y no importa lo que es el contenedor, sino lo importante es lo que dice y lo que transmite al espectador?
  • Ese es el valor de la banana, un par de coleccionistas lo compraron por unos 120.000 dólares, y el museo Guggenheim lo aceptó la donación de la banana en su colección.
  • El artista fue perspicaz y un mago del marketing, un comunicador que sabía que había creado algo de ruido alrededor de la banana, pero puede que no esperara crear tanto ruido y hacer de la banana una de las más famosas obras de arte de principios del siglo XXI y probablemente de la historia del arte en general.
  • De Maurizio Cattelan podemos decir que es un individuo milagroso, se dice que no pensaba ser un artista, era una persona normal que quería decir algo al mundo y encontró en el arte la herramienta que necesitaba para ello.
  • Nació en Padova en 1960 y poco a poco fue cogiendo fama en los noventa con su famoso Pope hit by a meteorite (La Nona Ora, 1999) y esa obra le puso en el escenario de la fama del mundo del arte. Desde entonces, se desarrolló más en el trabajo artístico real, fue una persona situacional, creaba situaciones más que obras de arte físicas. Con Comedian, volvió a sus orígenes de su verdadero espíritu, el que sorprendió no sólo al mundo del arte, sino que al mundo en general.
  • El arte de Maurizio Cattelan es chocante y golpea nuestra sensibilidad y nuestro entendimiento del arte, en el lugar preciso.
  • Cattelan inventó su propio lenguaje, cogiendo el objeto del mundo y poniéndole dentro contenido que antes no existía. Es lo que se supone que un artista debe hacer: usar el mundo y rellenarlo, aunque sea de la manera más simple.
  • La banana y Cattelan en general es más un filósofo que un artista visual, creó una filosofía alrededor del arte, creó una filosofía alrededor de objetos. Es lo que hace importante a ese lenguaje y lo que hace de él una figura importante en la historia del arte y de la historia de la comunicación.

 

Maurizio Cattelan: Wikipedia

  • Artista contemporaneo italiano
  • Nació en Padua en 1960
  • Conocido por sus obras polémicas
  • El museo Guggenheim le dedicó una exposición retrospectiva en el año 2012
  • Género: Arte conceptual e instalación
  • Combina escultura con acción artística (performance), con acciones controvertidas
  • Las obras de Cattelan se caracterizan por incluir humor y sátira, lo que ha generado controversias
  • Este sello ha hecho que a veces se le considere en la escena artística como un bromista o un bufón
  • Ha sido definido como uno de los grandes artistas post-duchampianos
  • Fiel a su estilo provocador, Cattelan sorprendió a los visitantes de la edición 2019 de la feria Art Basel de Miami con Comedian, una banana pegada a la pared con un pedazo de cinta adhesiva

Comedian

  • Maurizio Cattelan presentó una obra titulada Comediante, en la feria Art Basel en Miami en el año 2019.
  • La obra consistió en un plátano o banana que el asistente del galerista compró en una tienda de Miami, el cual estaba sujeto con una cinta adhesiva gris en una pared blanca.
  • La pieza, con tres versiones (todas vendidas durante la feria) tenían un valor de 120,000 dólares estadounidenses.
  • La pieza, de por sí polémica, aumentó su notoriedad cuando un artista, David Datuna, decidió tomar la obra y comérsela, acto que fue grabado por los asistentes de la feria.
  • Al acto de comer la obra de Cattelan, Datuna la denominó Hungry artist (artista hambriento)
  • Emmanuel Perrotin, el galerista que exhibe el trabajo, dijo que Comediante es «un símbolo del comercio mundial, un doble sentido, así como un dispositivo clásico para el humor»
  • Newsweek la llamó «obra de arte minimalista humorística»
  • La pieza se comparó con la fruta pop art de Andy Warhol de 1967
  • En la mañana del domingo 8 de diciembre de 2019, Comediante fue retirado de la feria porque las multitudes que hacían cola para ver la pieza causaron suficiente conmoción, los curadores temían que otro arte se dañara
  • Una banana que podríamos encontrar en una frutería, en la bolsa del almuerzo de un niño, en un desayuno continental. Pero no está donde debe estar, en su contexto natural. Está en una feria de arte
  • El buen arte te hace reflexionar
  • Te guste o no Comedian, te haga reír o te enfade, lo que está claro es que ha despertado conversaciones, intrigas y atención, algo que no toda obra de arte llega a conseguir.
  • Trayectoria de MC: Pocos artistas consiguen crear una obra icónica y perdurable en la historia del arte, Cattelan lo ha conseguido con la mayoría de sus obras, sean de tu agrado o no
  • Cultura pop
  • Simbolismo y reflexión
  • Composición simple
  • Un bufón que más allá de sus provocaciones, te hace reflexionar.
  • Irónico y provocativo
  • Comedian fue una obra disruptiva, un antes y un después en la Historia del Arte, quizá incluso irrespetuosa con las demás obras de la feria.
  • Es ganarse a pulso al mercado del arte
  • Comedian busca un impacto inmediato: una carcajada, una crítica mordaz, enfado, confusión, total rechazo o reflexión sobre qué es arte y qué no
  • Es arte como entretenimiento, como reflexión, no es decoración
  • Su propósito es hacerte reflexionar
  • El arte cambia porque la sociedad cambia
  • El arte sirve a la sociedad
  • El arte es un reflejo de la sociedad en un determinado período
  • Las necesidades de la sociedad cambian, y el arte es el medio con el que reflejar esos cambios
  • Lo cotidiano se vuelve excepcional con los ready-made (objetos cotidianos elevados a la categoría de arte)
  • En los últimos años son numerosas las voces que la señalan como la creadora de la Fuente, el urinario atribuido a Marcel Duchamp que en 2004 fue votado como la obra más influyente del siglo XX

 

Perfect Stories

James Elkins (ver Historias Perfectas)

Historia del Arte: pasado y presente en diálogo